Theater

Reihe 3, Platz 58 und 59: Wintergreen for President von George und Ira Gershwin

/ Matthias Nowak / 3 Kommentare

Es war der letzte schöne Sommerabend des Jahres. Viele Menschen strömen in die Gießener Innenstadt um ein letztes Mal draußen zu sitzen und die sommerliche Stimmung zu genießen. Wir strömten abgehetzt und genervt in das Gießener Stadttheater. Meine Frau erfüllte ihre Abonnentenpflicht, denn sie hasst Musicals. Ich hätte auch lieber bei einem guten Glas Wein und einem guten Essen meiner Frau tief in ihre blauen Augen geblickt und ihr romantische Floskeln ins Ohr gehaucht, die sie nach fast zwanzig Jahren Beziehung nicht mehr hören kann. Ich bin auch kein Musicalfreund, allerdings mag ich die Musik von Gershwin und ich hatte der Presse entnommen, dass das Stück kurzweilig ist. Für mich ein kleiner Trost, für meine Frau völlig bedeutungslos.

Worum geht es? Ein kruder Kreis aus Geschäftsmännern, Politiker und anderen Gestalten suchen sich einen unbedarften Trottel aus, den sie zu dem Präsidenten der USA machen wollen. Es gibt weder eine Partei, noch ein richtiges Programm. Das Motto der Wahl ist die Liebe, weil damit können alle etwas anfangen. Der Präsidentschaftskandidat soll öffentlichkeitswirksam mit einer Schönheitskönigin verheiratet werden. Der spielt aber nicht mit und verliebt sich in eine Sekretärin, die er anstatt der Schönheitskönigin heiratet. Der Trottel wird gewählt und zieht ins weiße Haus ein. Der Erfolg und die Freude ist nicht von langer Dauer, weil die Schönheitskönigin auf ihr Recht besteht und First Lady werden will. Weil sie französische Vorfahren hat, tritt der französische Botschafter auf den Plan und stellt unverschämte Forderungen. Nach viel und her und der Geburt zweier Karotten, die sich die First Lady nach einer Turboschwangerschaft aus dem Unterleib presst, legt der Präsident seinen Amt freiwillig nieder, um wieder der unbedarfte und unscheinbare Trottel zu werden, der er schon immer war.

Um die Auswahl des Stückes zu rechtfertigen hat man den Text immer wieder mit aktuellen Hinweisen auf die aktuelle Präsidentschaft des tumben Trottels Trump garniert, der leider nicht die Liebe, sondern den Hass als Programm hat. Natürlich fällt es leicht den Bezug zur Gegenwart zu finden, denn auch Trump scheint das Projekt eines Kreises von Leuten zu sein, die von Machtgier getrieben sind. Aber da hören schon meines Erachtens die Gemeinsamkeiten auf. Es gibt keinen Anflug von Faschismus und Autokratie in dem Stück, dass man liebevoll als Farce bezeichnen darf. Es setzt sich nicht damit auseinander, wie Politik funktioniert, sondern verhöhnt nur eine bestimmte Gattung an Politiker, die wohl Anfang der dreißiger Jahre in den USA sich auf Vorteilsnahme, einen ausschweifenden Lebensstil und Korruption spezialisiert hatten und das in einer Zeit, in der das amerikanische Volk unter der großen Depression litt.

Gershwin Musik ist farbenfroh, flott und lebendig und treibt das Stück in seinem Tempo voran. Inhaltlich kann es nicht viel bieten, außer das sich lustig machen über eine politische Kaste. Wahrscheinlich war es für die Zuschauer damals eine befreiender Akt, die Menschen auszulachen von denen sie regiert werden. Außer witziger Revuenummern und ausgefuchster Musikarrangements ist in der Gegenwart nichts mehr vom ursprünglichen Zweck übriggeblieben.

Natürlich kann man dieses Stück in Gießen auf die Bühne bringen. Das Stück wurde wie immer liebevoll inszeniert, mit großartigem Ensemble, stimmigen Bühnenbild und einem fabelhaften Orchester. Aber man sollte es nicht zu sehr als Kommentar zur aktuellen politischen Situation in den USA verstehen, sondern eher als allgemeine Satire auf den Politikbetrieb. Ich hatte meinen Spaß, weil die Songs überragend gut klangen und die Schauspieler alles gegeben haben. Das Gesicht meiner Frau verdunkelte sie während der Vorstellung zusehends und immer wenn eine Szene ihr zu lange dauerte, flüsterte sie leise, dass sie Musicals hasse.

Reihe 3, Platz 58 und 59: die Brücke von Mostar von Igor Memic

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Der Bürgerkrieg im ehemaligen Jugoslawien hatte sich Anfang der Neunziger Jahre allmählich in unser Bewusstsein geschlichen. Da das ehemalige Jugoslawien ein beliebtes Reiseland der Deutschen war, ging es anfangs nur um die Frage, ob man noch dort hinfahren könne. Als dann die ersten Urlauber aus dem Urlaub evakuiert werden mussten, weil im ehemaligen Jugoslawien kriegsähnliche Zustände herrschten, war klar, dass sich der schwelende Konflikt zu einem handfesten Bürgerkrieg entwickelte.

 Erst dann lernten wir, das Jugoslawien nur existiert hatte, weil der kalte Krieg, der Sozialismus und Tito es zusammengehalten haben und wir lernten, dass es keine Jugoslawen, sondern nur Kroaten, Slowenen, Bosnier, Kosovo-Albaner, Montenegriner und Mazedonier gab. Der langgehegte Hass auf die jeweils andere ethnische Gruppe ging auf die Schlacht ums Amselfeld im Jahre 1389 zurück. Bis dato kannten wir das Amselfeld nur als Bezeichnung für einen billigen und süffigen Rotwein und hätten uns nie vorstellen können, dass dort auf dem Amselfeld die Rechtfertigung für einen Bürgerkrieg in der Gegenwart begründet wurde.

 Als sich die Flamme des Hasses entzündete und zu einem Feuerinferno entwickelte, schienen die Protagonisten des Stückes „Die Brücke von Mostar“ wie wir ahnungslosen Mitteleuropäer ähnlich überrascht und ahnungslos zu sein, obwohl sie inmitten des Brandgebietes aufwuchsen.

 Emina betritt in einem mit roten Stoffrosen bestickten schwarzen Mantel die Bühne. Sie zieht einen riesigen Sack hinter sich her, rollt einen Teppich aus und beginnt ihre und die Geschichte ihrer Freunde zu erzählen.

 Das Stück beginnt Ende der Achtziger in Mostar. Mina, Leila und Sasha, lebensfrohe Jugendliche, denen amerikanische Popmusik und ausgelassenes Feiern wichtiger als alles andere ist, beobachten den alljährlichen Sprungwettbewerb von der alten Brücke, die die Namensgeberin und das Herz der Stadt Mostar ist. Sie lernen Mili kennen, der aus Dubrovnik in die Geburtsstadt seiner Mutter zurückgekehrt ist und der genauso wie die drei anderen von seiner jugendlichen Lebensfreude beseelt ist. Beim Sprung von der Brücke blamiert er sich zwar, gewinnt aber das Herz von Mina.

 Dann schleicht sich langsam aber unaufhörlich die Zwietracht in ihr Leben. Erst sind es nur Diskussionen um die Nachbarn und ihre Religion, später beginnt ein Kampf um alltägliche Dinge, die man nicht mehr in Geschäften kaufen kann, dann wird die Stadt geteilt in einen muslimischen und christlichen Teil, man muss sich entscheiden, ob jenseits oder diesseits der Brücke wohnen will, später marodieren Soldaten und Milizen durch die Stadt, bringen Zivilisten um, legen die Stadt in Schutt und Asche. Die vier Freunde versuchen sich gegen ihr Umfeld zu stemmen, handeln solidarisch und leben das Gegenmodell zum blinden Hass, der ihre Stadt in ein Kriegsgebiet verwandelt hat.

 Und trotz aller Bemühungen die Freundschaft und Zuneigung zu erhalten, können sie sich dem Konflikt um sich herum nicht entziehen. Als Leilas Mutter nach einem Hausbrand verschwindet und später wieder auftaucht, versucht Sasha, der als Soldat seinen Dienst verrichtet, sie zu ihrer Mutter zu bringen, dabei wird Leila getötet. Dann dringen Soldaten in Minas und Milis Wohnung ein. Mina entkommt nur knapp, weiß aber nicht, was mit Mili geschehen ist. Sie erreicht die Brücke, die zum gleichen Zeitpunkt in die Luft gesprengt wird.

 Die schwangere Mina kann sich retten, findet später Mili in einem Lazarett, der aber bald darauf stirbt. Sie zieht ihr Kind alleine groß, trifft später Sasha, der an dem Krieg, dem Tod von Leila und seinem verpfuschten Leben verzweifelt und sich kurz darauf umbringt.

 Es bleibt nur noch Mina übrig, die als Emina, ihre älteres Ich, die Geschichte erzählt.

 Außer einem Gerüst, das im vorderen Teil der Bühne in die Höhe schießt, gibt es kein Bühnenbild. Die Inszenierung lebt alleine von der gefühlsstarken und lebendigen Darstellung der Schauspieler. Emina ist Teil ihrer Erzählung, Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen miteinander und wenn die Emina mit Mina vor dem Gerüst am Ende tanzt, weiß man das nicht alles vergebens war und ihr die Erinnerung an ihre Freunde und ihr lebensfrohe Jugend hilft, ihr eigene Geschichte zu verstehen und zu ertragen.

 Selten hat mich eine Inszenierung in Gießen so emotional berührt. Nach der Pause gelang es mir kaum, die Tränen zurückzuhalten. Wir haben quasi mit den Protagonisten auf der Bühne mitgeheult. Aber wir sind in einer komfortablen Lage und mitheulen bei Filmen oder Theaterstücken sollte nicht nur dazu dienen, seine Emotionen, die man im Alltag ja oft eher kontrollieren muss, freien Lauf zu lassen. Empathie für Schauspieler aufzubringen, die eine tragische Situation simulieren, ist für friedensverwöhnte Mitteleuropäer eine leichte Übung. Man muss aufpassen, dass man den Hass, der direkt an der nächsten Ecke auf einen wartet, nicht in sein Herz und Gehirn hineinlässt. Dazu reicht es nicht, in Theatern zu heulen. Dazu braucht es Wachsamkeit, Mut und eine Lebensfreude, die die vier jungen Menschen in Mostar Ende der Achtziger zusammengeschweißt hat. Falls man aus diesem Stück so etwas wie eine Moral oder Lehre ziehen möchte, dann vielleicht: lass dir deine Lebensfreude und deine Freunde nicht von dem Hass der anderen nehmen.

Reihe 3, Platz 58+59: Die Orestie von Aischylos 

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Nach der Festtagsvöllerei, die uns träge hat werden lassen, verlangt unser Abo, das wir aus dem Hause gehen, um im Stadttheater Giessen die zweitausendfünfhundert Jahre alte in der antiken Welt eingebettete Tragödie über Rachsucht und blinden Hass zu konsumieren. Wir haben in den letzten Tagen so viel in uns hineingestopft, warum sollen wir uns dann einem altbackenen Stück zuwenden, in dem Götter auf die Menschen herabschauen und sie herumschubsen. Wir leben doch zum Glück in einer Welt, in der Götter keinen Zugriff auf uns haben. Da kann das so kurz nach Weihnachten im Theater keine Stimmung aufkommen, oder? Die Zusammenfassung der blutrünstigen Handlung: Agamemnon, der Herrscher über Mykene und Anführer der Griechen im Kampf um Troja, opferte seine Tochter Iphigenie, um weiter nach Troja segeln zu können (Wie wir in Goethes Stück „Iphigenie auf Tauris“ gelernt haben, hat er sie gar nicht getötet, sondern nach Tauris geschickt, aber das spielt hier gar keine Rolle). Seine Frau Klytaimestra ist deshalb stinkesauer. Während der langen Abwesenheit ihres Ehemannes beginnt sie eine Affäre mit  Aigisthos. Agamemnon kehrt nach zehn Jahren als Sieger aus dem trojanischen Krieg zurück und Klytaimestra tötet sogleich ihren Gatten. Worauf hin ihr Sohn Orest, den sie kurz vor der Rückkehr seines Vaters weggeschickt hatte, wieder nach Hause kommt, um sie und ihren Liebhaber zu killen. Daraufhin werden die Erynnen (die Rachegöttinnen) zu den Eumeniden (die Wohlgesinnten – der eine oder andere erinnert sich vielleicht an den gleichnamigen Roman von Jonathan Littell, der sich auf die Orestie bezieht). Aber wie sich Rachegöttinnen in die Wohlgesinnten verwandeln können, überfordert meinen in Fett und Alkohol ertränkten Geist. Ausnahmsweise waren wir sehr früh im Theater, kauerten gähnend in den roten Sesseln und warteten auf die Darstellung zahlreicher widerwärtiger Morde unter Verwandten. Das karge Bühnenbild bestand aus einer großen Leinwand, die über die ganze Breite der reichte und so die Bühne verkleinerte und zwei Leinwände an den Seiten.  Zuerst betrat Lyhre die Bühne, die schon in der letzten Spielzeit bei Neometropolis die Inszenierung mit ihrer Musik erweitert hatte. Iphigenie betritt die Bühne und erzählt die Vorgeschichte, emotional sehr aufgeladen und einer hektischen Choreographie folgend. Mit dem Wächter, der an einem Spiegeltisch sitzend berichtet, dass er jahrelang Nachts auf die Feuersignale warten musste, die das Ende Trojas verkünden und nun in dieser Nacht das Signal am Himmel erschienen ist, beginnt das eigentliche Stück und das Drama nimmt seinen Lauf. Zum ersten Mal kommen die beiden Leinwände zum Einsatz. Das Spiegelbild des Wächters wird auf die Leinwände übertragen und man ist ganz nah an dem mimischen Spiel des Schauspielers dran.  Dieser Effekt wird im Verlauf des Abends noch öfter zum Tragen kommen. Zwei Kameras auf der Bühne nehmen die Schauspieler auf und Ihr großes Abbild erscheint auf den großen Leinwänden und vervielfacht und vertieft ihr Spiel. Leider hat man ein kleines Latenzproblem und man hört die Stimmen der Schauspieler, sieht aber auf dem Bildschirm nur zeitverzögert wie sich die Lippen zu den Worten bewegen.  Zweimal werden große 3-D-Installationen auf die Leinwände geworfen. Während Klytaimestra ihren Monolog hält, folgt man dem Flug zwischen den Hochhäusern einer fiktiven Stadt und während Agamemnon mit geschundenem und nacktem Oberkörper sich seiner Taten rühmt, steht er inmitten einem dreidimensionalen Abbild eines Autotunnels. Der Chor, ein typisches Stilmittel der griechischen Tragödie, der ja immer so etwas wie die Stimme des Volkes darstellt wird nur von Roman Kurtz als alter weiser Mann dargestellt.  Die Schauspieler sind in Hochform, bis auf Amina Eisner, die die Kassandra gibt und immer wieder beim Text stolpert und ins Stocken gerät. Vielleicht nicht ihr bester Tag und ganz bestimmt gibt es einen Grund dafür. Frau Minetti als wütende und zornige Klytaimestra, die schon lange den Pfad der Vernunft hinter sich gelassen hat, bestimmt den ersten Teil im Wechselspiel mit dem Chor. Ihre Präsenz und ihre Unerbittlichkeit nehmen schon den Rachefuror vorweg und als Agamemnon der geschundene Held müde und erschöpft nach Hause kommt, wird er gleich von Klytaimestra in die Enge getrieben, gedemütigt und schließlich gemeuchelt. Und so geht der erste Teil des Schauspiels recht geschmeidig und wider Erwarten kurzweilig vorüber.  Die Verknappung des Bühnenbildes, die Songs, in denen es um Unterwerfung, Blut und Tod geht, die Bildeffekte und das engagierte Spiel der Darsteller lassen das Stück in der Gegenwart ankommen. Es werden Interpretationsspielräume geöffnet, die uns nicht nur erschauern lässt, sondern auch zum Nachdenken bringen. Man ist bewegt von der Frage, ob diese Kette von Gewaltakten jemals unterbrochen werden kann. Die gekränkte Eitelkeit, der eigene Ehrgeiz, seinen Nachbarn zu besiegen, um als Held in die Geschichte einzugehen, rechtfertigt jedes Opfer, auch den Tod der eigenen Tochter und wenn die Mutter aus Rachsucht über den Vater richtet, ist das ein Akt der Selbstjustiz, die jegliche Rechtstaatlichkeit verhöhnt. Die Beispiele aus der Gegenwart kann man jeden Tag in den Nachrichten nachvollziehen und die Götter waren auch schon bei den alten Griechen nichts anderes als die dumme Entschuldigung für Missetaten. Es sind Menschen, die Menschenrechte ignorieren und Menschen meucheln andere Menschen. Dafür brauchen sie keine Götter. Dann endet der erste Teil und ich muss erst einmal tief durchatmen. Unsere Reihe 3 und die zwei Reihen vor uns waren gut besetzt. Nach der Pause sitzt links neben uns niemand mehr. Auch vor uns haben sich die Reihen gelichtet. Wir fragen uns, ob da der ein oder andere die Gelegenheit genutzt hat, um nebenan auf dem Weihnachtsmarkt am Berliner Platz sich mit Glühwein die Welt schön zu saufen. Der Inhalt des Stückes mag einem eskapistisch handeln lassen. Aber die Inszenierung ist alles andere als zum Weglaufen. Teil zwei und drei der Geschichte fallen deutlich zum ersten Teil ab. Orest und Elektra sinnieren über die Rache an ihrer Mutter und bringen sie und ihren Geliebten, der von David Gaviria irritierenderweise als narzisstische Andy Warhol-Kopie gespielt wird, um die Ecke und am Schluss tauchen alle Toten auf und sitzen im dritten Teil über Orest zu Gericht. Hier hat man sich das ganze Götter- und Tempelgedöns  gespart und eher in einen Diskurs über Rache, Vergebung, Recht und Freiheit investiert. Die zahlreichen Stimmen der Schauspieler verhandeln die Dinge der Menschen, ob sie nun Rachegöttinnen, Wohlgesinnte, Athene oder sonst wen darstellen hat keine Bedeutung. Am Ende wird Orest freigesprochen und verspricht seinen Nachbarn nicht mehr anzugreifen oder sich mit ihm zu streiten. Das Stück ist unvermittelt zu Ende. Die Zuschauer brauchen eine Weile, bis sie es merken und mit ihren Handflächen frenetischen Applaus erzeugen. Ein wohlverdienter Applaus…

Reihe 3, Platz 58+59: Fifty Degrees of Now nach Motiven aus „Das Ministerium für die Zukunft“ von Kim Stanley Robinson

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Die Serie „Almania“ von und mit Phil Laude mag man nicht als feinsinnige Reflektion unserer Gegenwart betrachten. Es ist nun mal nur eine ARD-Serie, geschrieben und entworfen von jemanden, der in seinem früheren Leben die deutsche You-Tube-Comedy quasi erfunden hat. Das kann man mit den Anstrengungen akademisch ausgebildeter Theaterprofis nicht vergleichen, die Tag für Tag die Welt zwischen die drei Wände einer Bühne pressen. Und doch kann man beim Verfolgen der Serie viel über uns und unsere Gegenwart erfahren. Die Schülerin Annika, Jungaktivistin und sowas wie das wandelnde woke Gewissen in Ihrer Klasse, entwickelt plötzlich Sympathie für den rechtsdrehenden Hausmeister Schröder. Er präsentiert ihr in seiner Prepper-Bastelstube selbstgezogene Gurken, die er mit seiner persönlichen Fußnägelernte düngt. Alles nachhaltig und ressourcenschonend. Plötzlich sprechen sie eine Sprache. Als missverstandene und einsame Menschen, die von ihrer Umgebung für ihren pessimistischen Blick auf die Zukunft verachtet werden, verstehen sie sich prächtig. Bis zu dem Moment als sie sich gegenseitig den Grund für die große anstehende Veränderung nennen und Annika den Klimawandel mit großer Geste aus dem Hut zaubert und Herr Schröder etwas von Ausländern brummelt. In dem Moment verwandelt sich Annikas Sympathie wieder in Abscheu und sie rennt weg.

 Links und rechts der Mitte scheint es eine gewisse Lust am Weltuntergang zu geben. In der Mitte ist man eher genervt. Aber auch die Mitte franst immer mehr aus. Eine Tatsache, die viele Politiker anscheinend nicht wahrhaben wollen. Aber das ist ein anderes Thema. Ich resigniere, wenn ich zum dritten Mal in einer Spielzeit im Gießener Stadttheater ein Stück über den Weltuntergang präsentiert bekomme. Es erzeugt bei mir eine gewisse Müdigkeit und Erschöpfung bei mir. Die Situation der Menschheit gibt im Moment wenig Anlass für Freudentaumel. Aber wann war das schon einmal anders. Das Ende zu zelebrieren bringt uns nicht weiter. Gerade weil es in der Mitte der Gesellschaft einfach viele ignorante Zeitgenossen gibt, die jede Veränderung mit Murren hinnehmen und sich in Trägheit üben, in der Hoffnung, dass der Spuk bald vorbei ist und man weiterhin sein Schnitzel essen, sein Verbrenner fahren und jedes Jahr mit dem Flugzeug in ferne exotische Länder fliegen kann.

 Das erste Exemplar begegnete mir und meiner Frau schon beim Parken vor dem Theater. Mein kleines Elektroauto parkte ich pflichtbewusst auf einer Parkfläche am Rand einer Nebenstraße, korrigierte sogar mehrfach die Parkposition, um ja im weißen Raster der Parkfläche zu bleiben und in der engen Straße genug Platz für alle Verkehrsteilnehmer zu lassen. Mein Frau und ich stiegen aus, gingen um die Ecke und sahen ein Paar aus ihrem schwarzen furchteinflößenden SUV aussteigen, den sie im absoluten Parkverbot halb auf der Straße, halb auf den Bürgersteig abgestellt hatten. Es war ihnen egal, dass sie ein Verkehrshindernis darstellen. Erschreckenderweise rannten sie auch zum Theater. Ich kann mir nicht vorstellen, dass diese Menschen dasselbe Theaterstück wie wir besuchten.

 Beim Betreten wurden wir überrascht von der Umgestaltung des Innenraums. Eine weiße Wand verkleinerte den Zuschauerraum. Auf der Bühne hatte man eine Tribüne mit Sitzplätzen errichtet. Im erhöhten Orchestergraben hatte man die Szenerie eines Konferenzraumes aufgebaut: Tisch, Sitzgelegenheiten, Verpflegung, Kaffee, ein Wasserspender.

 Nebel wallen über die Bühne und die Köpfe der Zuschauer hinweg. Das Stück begann. Wie bei einer antiken Tragödie berichtet der Schauspielerchor über die Geschehnisse. In Indien kam es zu einem Hitzekatastrophe. An einem Tag starben 20 Million Menschen. Die Weltgemeinschaft beschloss, endlich Konsequenzen aus dem Ereignis zu ziehen und gründete ein Ministerium der Zukunft: einne globale Organisation, die Wissenschaftler und Experten vereint. Sie haben die Aufgabe,  Maßnahmen zu Reduktion des CO2 Ausstoßes verbindlich auf den Weg zu bringen. Mein Gesicht schläft ein. Sechs WissenschaftlerInnen unter der Führung von Mary (der ehemaligen irischen Außenministerin) treffen sich zum Montagsmeeting und diskutieren ausführlich über den Sinn von Montagsmeetings, Geoengineering, das Artensterben, die ungleiche Verteilung von Wohlstand. Das ist also jetzt das verschissene Stück über den Weltuntergang? Experten retten im Montagsmeeting die Welt? Mein Kopf verliert seine Spannung und fällt auf meinen Brustkorb. Tiefschlaf!

 Erst als Frank, der einzige Überlebende des Unglückes in Indien, Mary als Geisel nimmt und sie davon überzeugt versucht, dass Reden alleine nichts bringt und man unter Umständen Gewalt anwenden muss, um die Welt retten zu können.

 Ab diesem Moment bleibe ich wach und verfolge die Geschichte. Plötzlich hebt sich bei mir die Stimmung wie bei Annika, als Schröder ihr seine Fußnägel und die Gurken präsentiert. Frank gespielt von David Gaviria, der schon bei früheren Inszenierungen mit seinem glaubwürdigen Spiel überzeugen konnte, wird zur Inspiration für Mary. Weil er wohl doch einmal selbst Gewalt ausgeübt hat, buchtet man ihn ein. Mary, die ihn im Gefängnis besucht und ihn beschützt, sorgt für seine Resozialisierung.

 In der Pause wünsche ich mir für manche Zeitgenossen auch mal so einen Frank, der sie kräftig in die Mangel nimmt und wachrüttelt. Einige Zuschauer rannten aus dem Gebäude, zündeten sich Zigaretten an und beschwerten sich raunend, dass sie das mit dem Klimawandel langsam nicht mehr hören können.

 Nach der Pause wandelt sich das Stück in ein Plädoyer für den technischen Fortschritt und den Kapitalismus, der die Heilung bringt. Nach jahrelanger Überzeugungsarbeit schafft es Mary einzelne Notenbanken von der Einführung des Carbon Coin zu überzeugen. Eine Kryptowährung, die dann erzeugt wird, wenn eine Tonne C02 eliminiert wird. Unternehmen werden für die Vermeidung und Reduzierung von Co2 Emissionen belohnt. Das scheint die Lösung zu bringen, denn nach Jahrzehnten mühevoller Überzeugungsarbeit, gehen die Emissionen zurück, das Artensterben hört auf, die Natur erholt sich allmählich und die Welt ist gerettet. Das Stück endet mit einer frohen Botschaft. Wir verlassen das Theater und für uns bleibt die Frage ob die Rettung der Welt wirklich mit den althergebrachten Mitteln des technischen Fortschrittes und des Kapitalismus erreicht werden kann? Hat uns das mächtige Duo der Wohlstandserzeugung nicht erst in diese Lage gebracht? Sind die SUV-Fahrer, die maulenden Zigarettenpausensuchtis und die reichen Bonzen mit den Privatjets noch an einer Veränderung ihres Verhaltens interessiert, wenn man ihnen Rettung durch den Carbon Coin und Geoengineering verspricht? Vielleicht fehlt vielen Menschen genau diese Hoffnung. Die düsteren Weltuntergangsszenarien zeigen keinen Ausweg. Es steht doch eigentlich schon fest, dass wir verloren sind. Das Stück beantwortet diese Frage nicht und vielleicht ist es auch gut so. Wo Fragen unbeantwortet bleiben, wird man nicht aufhören, nach Antworten zu suchen.

Reihe 3, Platz 58 + 59: Apokalypse Miau von Kristof Magnusson

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Wenn man sich dem Theater intellektuell nähern will, wie die Wildkatze ihrer Beute, sollte man ab und zu die Frage in den Raum schleudern, ob Theater lustig sein darf. Die Frage impliziert, dass es eine scharfe Linie zwischen ernsthaften Drama, das die Welt bedeutungsschwer in eine Ansammlung von Problemen verwandelt und dem leichtfertigen Lustspiel gibt, das oberflächlich und heiter über die Melancholie des Seins hinwegwischt.

 In den Stück „Apokalypse Miau“ sieht man Theatermenschen, die hinter eine Bühne auf die Verleihung des Destroy-Preises warten und sich ihren eigenen Befindlichkeiten hingeben. Sie werden als kleingeistige Verwalter ihres Nimbus als Künstler gezeichnet, die um sich selbst kreisen und Verbindung zur Wirklichkeit verloren haben. Alle kennen sich irgendwie, haben schon miteinander gearbeitet oder sind heimliche Fans oder Feinde, hassen sich, heucheln Zuneigung oder Bewunderung. Es ist ihnen egal, was vorne auf der Bühne während der Preisverleihung geschieht. Der kleinste gemeinsame Nenner ist das Fußballspiel, das zur gleichen Zeit im Fernsehen läuft. Während sich die Moderatorin der Preisverleihung die größte Mühe gibt, das tröge Kulturevent in eine großartige Show zu verwandeln, beharken sich die Narzissten hinter der Bühne.

 Das echte Publikum vor der Bühne lacht ausgiebig über das doppelte Spiel hinter und vor der Bühne. Der Kleinkrieg hinter der Bühne verlagert sich bei der fiktiven Preisverleihung auf die große Bühne. Die Preisträger, der alte weiße Mann und die woke, feministische Regisseurin brechen einen Kulturkampf vom Zaun und nebenbei bricht die Apokalypse über alle herein. Darf man das lustig finden? Alle Lachen, ich nicht. Ich freue mich auf die Pause und ein Glas Wein. Sind wir denn wirklich alle so leicht zu überrumpeln. Ein paar dumme Witze am Abend und das war es dann? Ich habe mal gelernt, dass Satire den Menschen den Spiegel vorhält, in dem sie ihr hässliches Antlitz erkennen können. An diesem Abend habe ich das Gefühl, die Leute schauen zwar in den Spiegel, aber der Spiegel ist stumpf und blind.

  Der zweite Teil besteht des Abends besteht darin, dass wir die Menschen aus dem ersten Teil dabei beobachten können, wie sie sich langsam selbst zerfleischen, wie Versuche des solidarischen Handelns in der Krise scheitern und sie doch nachher alle vor die Hunde gehen. Das Lachen im Publikum nimmt ab. Die Begeisterung nicht.

 Ich gehe aus dem Theater und frage mich, wie ich mich zu dem Stück verhalten soll? Nach längerer Betrachtung, drei Wochen Bedenkzeit und einer Europawahl mit Rechtsdrall, muss ich feststellen, dass der Autor Kristof Magnusson vollkommen recht hat, wenn er die Befindlichkeiten des Einzelnen mit der Apokalypse verknüpft. Im Prinzip funktioniert die Welt im Moment genauso: Man fühlt sich abgehängt und missverstanden und überträgt seine Unwohlsein auf das große Ganze. Die Krisen, die Katastrophen unserer Zeit sind nur Projektionsflächen und genauso wenig real für die Menschen wie für die Schauspieler hinter der Bühne das Geschehen auf der Bühne. Es ist egal, ob die Welt nun sich nur verändert oder untergeht, jeder Befindlichkeit muss dabei Rechnung getragen werden. Insofern hoffe ich, Herr Magnusson hat die Lachsalven seiner Zuschauer als Spiegelung der Wirklichkeit einkalkuliert. Und wahrscheinlich ist er Optimist: wenn das Lachen das Zwerchfell schmerzen lässt, fängt das Nachdenken an. Somit steht für mich fest: Theater muss lustig sein!  

Reihe 3, Platz 58 + 59, Neometropolis von Pat To Yan

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Nach drei Monaten Theaterpause sind wir wieder auf unsere Plätze in Reihe Drei zurückgekehrt. Unruhig rutsche auf meinem schmalen Sitz hin und her. Das geschäftige Treiben der anderen Theaterbesucher*Innen macht mich nervös. Wir haben eine harte Woche hinter uns, viel Arbeit, wenig Freizeit und heute Nachmittag als Krönung noch der Kindergeburtstag meines neunjährigen Sohnes. Wir sind durch! Zur Ablenkung beuge ich mich über das Programmheft und versuche folgenden Text zu erfassen:

„Thomas Krupas Inszenierung führt mit sensibler Präzision differente Erzählweisen und semiotische Reservoirs zu einer offenen, aber konsistenten Form zusammen – und konterkariert damit, im Geiste von Pat To Yans lyrisch-märchenhaftem Drama, die Suche nach einer klaren Antwort auf die letzte Frage.“ 

Erinnern sie sich noch an die Peanuts? Witziger Comic aus den Siebziger, in dem die Welt aus der Sicht von altklugen Kindern gezeigt wird. Als ich die Rezension der deutschen Bühne im Programmheft las, fühlte ich mich wie Charlie Brown, der der blechernen und verfremdeten Stimme eines Erwachsenen zuhört und nur ahnen kann, was der Erwachsene von ihm will.

Der elfjährige Junge Earnest ist so etwas wie ein Charlie Brown der Gegenwart. Er lebt mit seinem Vater, einer Katze und einer Zimmerpflanze in einem Hochhaus in der Megacity Neometropolis. Er glaubt, das Wetter kontrollieren zu können, während sein Vater als Chefingenieur eines Techkonzerns die Bürger der Stadt kontrolliert. Und genauso wie Charlie Brown versteht er die Welt der Erwachsenen nicht, weiß aber, dass irgendetwas mit Ihnen nicht stimmt. Die Stadt ist von einem riesigen Wald umgeben, von dem man sich schützen muss. Angeblich stammt aus dem Wald eine todbringende Seuche die viele Stadtbewohner hingerafft hat. Earnest Mutter, eine Botanikerin, holte sich im Wald die Seuche und Earnest weiß nicht wirklich, was mit ihr geschehen ist. Als die Katze von Earnest verschwindet, gelangt er auf der Suche nach dem Tier in den Wald.

Ein zeitgenössisches Stück aus dem Baukasten für Theaterautoren. Überall lauern die Referenzen an die Gegenwart: Pandemien, Naturzerstörung, Übermacht von Techkonzernen, die Degradierung des Menschen zum Konsumenten, die Entfremdung von der Realität, autoritäre Regime, die keine Widerspruch zulassen. Der Autor beschwört eine Dialektik zweier Systeme, die auf einer Symbiose zwischen den einzelnen Bestandteilen beruhen, die aber im absoluten Widerspruch zueinander stehen. Auf der einen Seite die Stadt, in der alle Menschen mit einem Gehirninterface ausgestattet sind, miteinander vernetzt werden und nun ihr Heil in der Körperlosigkeit finden, weil ein Gedanke ausreicht, um das Licht und die Kaffeemaschine anzuschalten. Dagegen steht der Wald, der als einzigartiger Organismus existiert, ein pantheistisches Konstrukt, es strotzt vor Kraft und Geheimnissen, eine metaphysisches Paradies für jeden, der sich dem Organismus hingibt und Wurzeln schlägt.

In Gießen versucht man der Geschichte mit unzähligen Sinnesreizen beizukommen. Der Zuschauer wird  überflutet mit Bildern und Klängen. Die Musikerin Lyhre aus Berlin, die im Bühnenhintergrund aus einem großen Moog-Synthesizer bedrohliche Krachlaute herausschraubt, am Klavier die immer gleiche Akkordfolge variiert und mit ihrem verletzlichen hallumhüllten Nymphensopran schmerzvolle Lieder aus sich herauspresst, ist die eigentliche Hauptdarstellerin des Stückes. Die Musik wird illustriert mit überwältigende Fotos aus der Natur und Schauspielern, die sich in eine feststehende Schuhkonstruktion hineinzwängen und sich wiegen und strecken wie Pflanzen in Zeitraffer. Die Schauspielszenen und die Geschichte bilden nur die Übergänge zwischen den Klang- und Bildinstallationen.

Die Dialektik zwischen Natur und Mensch soll aufgehoben werden. Darauf hat der Autor keine Antwort (auch wenn die Rezension der deutschen Bühne etwas anderes vermuten lässt) und er macht es sich einfach: er lässt alles offen. Der elfjährige hat am Schluss im Wald den Geist seiner Mutter gefunden und ist ihrem Schöpfer begegnet, der alle ausgestorbenen Arten wieder erwecken kann, sein Vater ist ihm in den Wald gefolgt, gibt sich schnell als geläuterter Homo Faber, der nur Gutes wollte und dann stehen sie alle gemeinsam auf der Bühne und der elfjährige spricht den letzten altklugen Satz, der auch von Charlie Brown stammen könnte:
„Dann müssen wir alles noch einmal neu denken.“

Ist ja nett gemeint, aber Freitagabends um 22 Uhr konnten wir die Welt nicht neu denken. Eigentlich konnten wir gar keinen Gedanken mehr fassen. Wir sind noch zur Videokonferenz mit dem Autor gegangen, der sich auf einer großen Leinwand zeigte und zusammen mit dem Regisseur und Ensemblemitgliedern, sich den Fragen des Publikums stellte und auch das war so surreal und anstrengend wie der ganze Abend. Aber vielleicht lag es auch nur an unserer Erschöpfung und dem Wein, den wir getrunken hatten.

Ich will am Schluss gar nicht meckern. Die kreative Inszenierung mit hervorragenden Einfällen, passender musikalischer Untermalung und einer soliden Ensembleleistung war besser als meine Stimmung an diesem Abend. Und doch haben sie mich diesmal nicht abgeholt.

Reihe 3, Platz 58 + 59, Woyzeck von Georg Büchner

/ Matthias Nowak / 6 Kommentare

Wir haben es eilig und betreten das Theater kurz bevor die Türen geschlossen werden. Wir haben erst ziemlich spät mitbekommen, das Vorstellungen am Sonntag schon um 18.00 Uhr beginnen. Wie immer drängeln wir uns durch die Sitzreihe und machen uns bei unseren Nachbarn unbeliebt.

 Unsere Sitznachbarin begrüßt uns freundlich zur neuen Spielzeit. Wir sitzen schon einige Jahre nebeneinander und stellen fest, dass wir schon seit 2006 Besitzer des Platzes 58 und 59 sind und unsere Nachbarn kurz nach uns ein Abonnement ergattert haben. Wir sind also schon fest verwoben mit der Institution Stadttheater und so wie man Beamter auf Lebenszeit wird, wird man in der öffentlichen Einrichtung Stadttheater auch Abonnent auf Lebenszeit.

 Stücke wie „Woyzeck“, ein Klassiker des deutschen Theaters, oft aufgeführt, verfilmt und auch gelegentlich mal durch den Kakao gezogen, reizen mich wenig. Die Story kennt jeder: der Soldat Franz Woyzeck versucht sich, seine Freundin Marie und ihr gemeinsames uneheliches Kind finanziell über Wasser zu halten, in dem er seinen Sold durch Frondienste für seine Vorgesetzten und als Versuchskarnickel für einen Arzt aufbessert. Dann tritt der Tambourmajor in Erscheinung, ein eitler Frauenheld, und verführt Marie. Als Woyzeck von ihrem Verhältnis erfährt, meuchelt er Marie bei einem Abendspaziergang am See, der Mond blutrot am Horizont…

 Georg Büchner hat in seinen 23 ihm zur Verfügung stehenden Lebensjahren nur wenige literarische Werke produzier, war er doch nebenbei noch Revoluzzer und angehender Arzt. Alles was wir von ihm kennen, besteht aus wenigen Grundzutaten. Es gibt immer ein unausweichliches Schicksal, dass durch das soziale Umfeld bestimmt wird und immer zur Katastrophe führt. Die Natur ist der bedrohliche Begleiter und Urgrund des Wahnsinns.

 Büchner hat seine Werke im ersten Drittel des neunzehnten Jahrhunderts zu Papier gebracht und bereitet vieles vor, was ein paar Jahrzehnte später total angesagt sein wird.

 Aber die Zukunft der Moderne ist ja schon wieder Vergangenheit und auch die Postmoderne ist schon irgendwie vorbei. Also was liegt nahe: Wir machen aus dem Stück ein Musical.

 Oh Gott, nicht schon wieder!! In den Spielzeiten davor haben wir einige Inszenierungen erlebt, die durch Gesang und Musik eine Erweiterung erlebt haben. Aber Woyzeck als Musical? Die Idee ist nicht neu und wurde 2000 in Kopenhagen uraufgeführt. Kein geringerer als Tom Waits hat zusammen mit seiner Ehefrau Kathleen Breenan die Musik und Texte geschrieben und das Konzept zur Inszenierung stammt von der Theaterikone Robert Wilson.

 Ich bin schon seit 1985 ein heimlicher Tom-Waits-Verehrer. „Rain Dogs“ sein Album, mit dem er endgültig seinen Durchbruch in Deutschland schaffte, faszinierte mich damals. Die Art wie dort Musik zelebriert wurde, die schräge Instrumentierung mit Marimba und Tuba und einer hellen aufdringlichen Jazz-Gitarre, die sich mit chromatischen Singlenotes durch die Arrangements knödelt, die raue Stimme, die je nach Song, fies bösartig aber auch melancholisch, fast zärtlich klingen konnte, war einzigartig und entsprach damals keinem gängigen Genre. Ich war gerade auf den Thrash-Metal-Trip und es fiel mir schwer, meine Zuneigung zu Tom Waits öffentlich auszuleben. Aber wenn ich in einer gewissen melancholischen und leicht depressiven Stimmung bin, verliere ich mich nur zu gerne in den Songs von Tom Waits.

 Tom Waits hat die Songs aus dem Stück „Woyzeck“ unter dem Titel „Blood Money“ aufgenommen. Die Aufnahme sollte man sich anhören. Sie klingt kein bisschen nach Musical. Tom Waits räuspert und grunzt sich durch die bissigen und zynischen Texte. Gerade am Titelstück „Misery`s the river of the world“ kann man gut erkennen, wie Waits das Theaterstück verstanden haben will.

„If there’s one thing you can say about mankind. There’s nothing kind about man. You can drive out nature with a pitchfork. But it always comes roaring back again.“

 Hat man in Gießen die Botschaft umgesetzt? Ich glaube schon. Das Bühnenbild wie immer schlicht: Am Ende einer treppenförmigen Terrasse hat man die Band positioniert. Sie thronte über dem Publikum, schemenhaft konnte man die Musiker erkennen. Die Instrumentierung wurde vom Original übernommen. Die Schauspieler klebten mit unterschiedlichen Intensitäten an ihren Rollen. Am einen Ende des Spektrums der wehleidige Hauptmann als Karikatur vorgetragen, ähnlich wie der Doktor, Franz Woyzeck am anderen Ende, sehr intensiv allmählich dem Wahnsinn verfallend.

 Woyzeck existiert in seiner Urform nur als Fragment. Wahrscheinlich schreit es deswegen nach Erweiterungen und mit den Songs und der Musik wurde dem Fragment neue Aspekte hinzugefügt, die die Grundaussage verstärken.

  Als ganz nebenbei der Satz fiel, “Jeder Mensch ist ein Abgrund; es schwindelt einem, wenn man hinabsieht.“, lief es mir kalt den Rücken herunter. Für mich ist dieser Satz der wichtigste in dem ganzen Stück. Jede Figur in dem Stück macht sich schuldig und man fragt sich die ganze Zeit, nach dem Warum. Es gibt keine Erlösung für Niemanden. Daher ist der Pessimismus mit dem die Musik dem Stück beikommen möchte nur folgerichtig und eher erhellend.

 Alles in Allem ein intensiver Theaterabend, der einem noch die letzte Zuversicht genommen, gerade wenn man bedenkt, dass wir die Aufführung am 15.10. besucht haben und eine Woche vorher die Hamas in Israel gewütet hat. Schwere Zeiten, wie immer und Franz Woyzeck ist ein Soldat und kein Mensch…  

Reihe 3, Platz 58 und 59 – Der Staat gegen Fritz Bauer Schauspiel nach dem Film von Lars Kraume

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Der Staat gegen Fritz Bauer ist unser letztes Stück in dieser Spielzeit. Damit endet dieses Jahr unser Abonnement. Wir haben den Film gesehen. Endlich mal keine schwere Kost. Denn wir kennen die Handlung und es wird keine Überraschung geben. Am heutigen Abend wird es keine komplizierten Verse, verschachtelte Handlungen oder emotionales Geplärre geben. Ideal für einen Freitagabend. Die Woche war wieder anstrengend, viele Termine, viel Arbeit, wenig Pause, die Geschehnisse der Woche haben sich zwar aufgedrängt, aber es war noch keine Zeit, sie zu reflektieren. Wir sind ausnahmsweise früh dran, reservieren uns ein Tisch und zwei Gläser Wein für die Pause. Ich lese meiner Frau einen Tweet von Micky Beisenherz vor. Es geht um die Sprache der Bild. Nur nicht nachlassen Bild, schreibt Beisenherz und meint es natürlich ironisch. Nach Heiz-Polizei und Energie-Stasi drängen sich noch weitere Wortschöpfungen mit den die Bild die Empörung über die Grünen und Robert Habeck anheizen könne. Beisenherz schlägt Worte vor wie: Fernwärme-Faschisten, Thermo-Taliban und Gebäude-Energie-Gestapo. Besonders gut hat mir das Wortkompott Jute-Junta gefallen. Wir verschlucken unser Lachen. Und dann noch die Sache mit den Klima-Klebern, da wir schon bei den Wortschöpfungen der Bild sind, die in den allgemeinen Sprachgebrauch übergegangen sind. Zwei Tage zuvor gab es in Bayern und Berlin Razzien gegen Mitglieder der letzten Generation. Teile des politischen Establishments möchten gerne die jungen Aktivisten, die einfach nur wollen, dass der Staat und die Gesellschaft endlich handeln, als Kriminelle brandmarken. Angeblich haben die Politiker eine Mehrheit der Bevölkerung hinter sich, die die Aktionen der letzten Generation nicht gutheißen, obwohl die letzte Generation weder Verfassung- noch demokratiefeindliche Ziele verfolgt, sie transparent und offen kommunizieren und sich dem gewaltlosen Widerstand verschrieben haben.

 Wir diskutieren und stellen fest, dass uns die Situation sehr stark an einige Ereignisse in der bundesrepublikanische Vergangenheit erinnert: Angefangen bei der Spiegel-Affäre, den Studentenprotesten Ende der Sechziger Jahre, bis hin zu der Kriminalisierung von RAF-Sympathisanten in Siebziger Jahren und weiter gedacht, bis zur NSU und zum Aufstieg der Rechten in den letzten zehn Jahren. Immer geht es darum, dass Politiker meinen sich durch Härte profilieren zu müssen und sich als Opfer junge Aktivisten aus dem linken Politikspektrum aussuchen, während man rechte Spießgesellen schützt, deren Taten verharmlost oder sogar nachäfft.

 Und schon sind wir bei Fritz Bauer: der mutige Generalstaatsanwalt jüdischer Herkunft, Atheist, Sozialist, wahrscheinlich homosexuell, in der Nazizeit verfolgt, war in den fünfziger und sechziger Jahre scheinbar einer der wenigen, die das Verharren ehemalige Nationalsozialisten in Schlüsselpositionen nicht ertragen konnten und Verbrecher wie Eichmann und Konsorten gedeckt haben.

 Eine der zentralen Themen in dem Stück ist die Frage, ob Fritz Bauer sich des Landesverrates schuldig macht, wenn er dem Mossad Informationen über den Aufenthaltsort von Eichmann gibt. Fritz Bauer lebt in der ständigen Angst, kriminalisiert zu werden, entweder als Landesverräter oder Homosexueller. Er trotz standhaft allen Kollegen und Politikern, die die Vergangenheit auf sich ruhen lassen wollen. Wir wissen wie die Geschichte ausgeht. Eichmann wird in Argentinien vom Mossad einkassiert und in Israel zum Tode verurteilt und hingerichtet. Damals hat der deutsche Staat keinen Auslieferungsantrag gestellt, angeblich um die beginnende Aussöhnung mit Israel nicht zu gefährden. Eine Chance, die deutsche Vergangenheit aufzuarbeiten war damit vertan. Erst ein paar Jahre später konnte mit den von Bauer initiierten Auschwitzprozessen die Lawine losgetreten werden, die der jungen Generation zum ersten Mal vor Augen führte, in welche Verbrechen ihre Eltern direkt oder indirekt verstrickt waren. Junge Menschen begannen unbequeme Fragen zu stellen und ein paar Jahre später führte es zu den Studentenprotesten und auch hier wissen wir, wie die Geschichte ausging.

 Die Aktivisten der letzten Generation mit Fritz Bauer auf eine Stufe stellen, kann nicht mein Ansinnen sein. Die Herausforderungen sind andere und auch die Vorgeschichte ist eine andere. Aber damals wie heute geht es darum, dass Politiker aus Gründen des Machterhalts oder weil sie hoffen, mit Empörung Wähler aus sich zu ziehen, keine Veränderungen zulassen und diejenigen, die nötige Veränderung anstoßen mit ungerechtfertigten Mitteln aus dem Spiel kicken wollen und dafür bereit sind, den Rechtsstaat zu missbrauchen. Hier der Landesverrat, da die kriminelle Vereinigung, schwerwiegende Straftatbestände, die für Spione und die Mafia gedacht sind und nicht für ehrenwerte Staatsanwälte und politische Aktivisten.

 Ein wichtiger Satz von Fritz Bauer, der mehrmals in dem Stück fällt, lautet: Beuge dich niemals der Tyrannei.

 Eine Überschrift wie in Stein gemeißelt. Standhaft zu bleiben kostet Lebenskraft und Zuversicht, im schlimmsten Fall das Leben. Es ist so schwer zu glauben, dass wir in einem demokratischen Land wie Deutschland, das dem Einzelnen die Einhaltung hoher rechtsstaatlicher Standards verspricht, auf der Hut sein müssen, damit die Tyrannei nicht wieder Teil des Tagesgeschäftes wird.

 Die Inszenierung und Schauspieler waren übrigens hervorragend und es war keine leichte Kost. Im Gegenteil, ein beeindruckender und bedrückender Abend, der mich zum Nachdenken angeregt hat. So soll Theater sein, aber das habe ich an dieser Stelle schon öfter geschrieben….

Reihe 3, Platz 9 + 10 Der Totentanz von August Strindberg

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Der Höhepunkt unseres Theaterjahrs: der Besuch einer Aufführung am Berliner Ensemble. In den letzten Jahren standen unsere Kinder an erster Stelle und der Besuch von kulturellen Veranstaltungen war immer an die Frage geknüpft, ob wir eine Betreuungsmöglichkeit finden. Wenn wir auf Städtetour gingen, gab es keine Betreuungsmöglichkeiten. Endlich sind unsere Kinder alt genug und sie konnten mal eine Stunde alleine im Hotel verbringen. Also haben wir für unseren diesjährigen Kurztrip nach Berlin den Besuch einer Theatervorstellung ohne Kinder eingeplant.

 Natürlich wollte ich mir als alter Brechtfan unbedingt eine Theatervorstellung im BE anschauen. Das alte Theater am Schiffbauerdamm ist seit 1954 Spielstätte des Berliner Ensembles, das 1949 von Bert Brecht und Helene Weigel gegründet wurde. Der Bau, am Ende des 19. Jahrhunderts errichtet, nimmt im Innenraum viele Stilelemente des Barock auf und wirkt  mit dem Stuckornamenten und den vielen Gipsputten leicht überladen. An den Seiten kleben zahlreiche Logen wie Schwalbennester. Der Zuschauerraum scheint keine große Bedeutung zu haben, denn er liegt eng zwischen den Logenwänden. Man kann sich kaum vorstellen, dass Brecht dieses altmodisch vorbürgerliche Interieur mit seiner spartanischen Theaterkunst in Verbindung bringen konnte, die sich dazu doch oft um sozial benachteilige Menschen drehte.

 Mir war egal, welches Stück an dem Abend geboten wurde. Mir war wichtig, einmal im Leben in diesen heiligen Hallen zu sitzen und ein wenig von der legendären und mittlerweile etwas abgegriffenen Brechtaura abzubekommen.

 Man konnte erst vier Wochen vor Beginn der Vorstellung Karten online kaufen. Also habe ich am Beginn des Vorverkaufs vor dem Computer gesessen und  peinlich darauf geachtet wie in unserem Wohnzimmertheater in Gießen in Reihe 3 in der Mitte Plätze zu bekommen. Der Bourgeois ist ein Gewohnheitstier und deswegen immer vom Aussterben bedroht.

 Es stand der Totentanz von August Strindberg auf dem Spielplan. Ich hatte mich nicht vorbereitet und wollte unbelastet den Theaterabend genießen. Eine viertel Stunde vor Beginn der Vorstellung saßen wir auf unseren Plätzen und meine Frau löcherte mich mit Fragen zum Stück und der Inszenierung. Ich verdrehte die Augen und begann wild auf meinem Handy herum zu tippen.

 Der Totentanz ist ein typischer Strindberg. Das Ehepaar Edgar und Alice leben seit einer gefühlten Ewigkeit auf einer Quarantäneinsel alleine in einem Festungsturm und gehen sich gegenseitig auf die Nerven. Dargestellt werden Edgar und Alice von einem echten Ehepaar, Marc Oliver Schulze und Claude de Demo. Wir machen Witze über Herrn Schulze, der schon in Alarm für Cobra 11 mitgespielt hat. Na das kann ja was werden, Alarm für Cobra 11 im Berliner Ensemble. Und der Regisseur hat sich mit dem Bühnenbild an der Serie Lost orientiert. Haben wir nicht geschaut, das hat ja jeder geschaut. Der Bourgeois wird an seiner eigenen Arroganz ersticken.

 Kurz nach 18 Uhr ging das Licht aus und der Vorhang hob sich. Die Anfangsszene zeigte Alice, die mit dem Rücken zu Publikum gewandt, auf einem Friseurstuhl schlief und in ihrer Hand ein Rasiermesser hielt. Sie kam langsam zu sich und begann genüsslich mit hörbaren Kratzgeräuschen ihr in die Luft gestreckten Beinen mit dem Rasiermesser zu traktieren. Edgar ein schlaksiger und ungepflegter Bursche mit grauen, schütterem Haar und missgünstiger Miene betrat die Szene durch eine Schleuse, wie man sie aus Weltraumfilmen kennt. Der erste Dialog bestand aus den üblichen Floskeln alter Ehepaare und ging nahtlos in den ersten Streit über. Es ging um Enttäuschung, Einsamkeit, gegenseitigem Misstrauen und der Erkenntnis, dass man sich jeden Tag die gleichen Vorwürfe macht. Kurt, ein alter Freund des Paares, der auf der Insel vor kurzem angekommen war, um dort ein Amt zu übernehmen betrat das Bühnenbild durch die Schleuse und wurde sofort in das übertriebene Spiel der Eheleute miteinbezogen. Kurt, aufgeräumt und stabil im Auftreten, gab dem Zuschauer die Hoffnung, dass er den beiden Einhalt bot und sie vielleicht von ihrem Unglück befreien könnte. Aber auch Kurt ist eine gebrochene Figur und hat etwas zu verbergen. Spät stellte sich heraus, dass er Alice verfallen ist und sich für alte Wunden, die ihm Kurt vor langer Zeit zugefügt hatte, rächen will. Irgendwann rannten drei Karikaturen ihrer selbst auf der Bühne herum und wussten nicht mehr, was tiefer Ernst war oder aus reiner Gemeinheit und Missgunst dem Anderen an Kopf geworfen wurde. Am Schluss haben Edgar und Alice Kurt um die Ecke gebracht und für einen Moment schienen sie gemeinsam glücklich zu sein. Erschöpft und seltsam glücklich warteten sie auf ihr nächstes Opfer.

 Man kann die Inszenierung als bitterböse Klamotte lesen. Kay Voges, der Regisseur, fand in Strindberg eine Verwandtschaft zu Becketts Endspiel und Sartres geschlossene Gesellschaft. Manchmal entdeckte man als Zuschauer an sich die gleiche Verwirrung, die einem beim Betrachten eines Beckett-Stückes überfällt. Alles ist todernst, aber doch irgendwie gar nicht so gemeint. Das widersprüchliche des Absurden gilt es auszuhalten. Zudem glitzerte hinter dem bösartigen Spiel das „die Hölle sind die anderen“ durch. Man hat sich eingeschlossen und will den Turm ja gar nicht verlassen.

 Nach anderthalb Stunden kurzweiligem Vergnügen verließen der Bourgeois und seine Ehefrau die heiligen Hallen. Anschließend stand er neben der Statue des sitzenden Bertholt Brecht auf dem Bertholt-Brecht-Platz und macht einen Selfie. Er spürte kurz ein Ziehen in seinem Nacken. Es ist die Erkenntnis, dass auch er zuweilen das Lamentieren und Proklamieren seines Ärgers nutzt, um sich seine Zeit zu vertreiben, der Bourgeois, der widerliche!

Reihe 3, Platz 58 und 59 – Mädchenschule von Nona Fernández

/ Matthias Nowak / Hinterlasse einen Kommentar

Wetzlar. März 2023. Ca. 20 Personen bilden einen Kreis und lauschen schweigend einem Redner, der seine formelhaften Beschuldigungen herunterleiert. Er spricht mit monotoner Stimme über das gemeinsame Bündnis der Mächtigen und der Presse, die das Volk für dumm verkaufen wollen und das ja mit Corona alles so gekommen ist, wie man es erwartet hat. Etwas abseits passen zwei Polizisten auf. Sie haben nicht viel zu tun und unterhalten sich feixend. Die Querdenker, Coronaleugner oder wie sie sich selbst oft bezeichnen Selbstdenker, feiern immer noch jede Woche in unserer Stadt ihre Messe des selbstgemachten Blödsinns. Die Gruppe hat sich im Laufe der letzten Monate eine eigene Halbwertszeit gegeben. Es nehmen immer weniger Personen teil, aber sie geben einfach nicht auf. Heute Abend haben sie sich am Ende der Fußgängerzone positioniert und weil wir den kürzesten Weg durch den Kreis der Blöden nehmen müssen, nehme ich meine Frau an die Hand und schiebe meine Kinder vor mich her. Mit gesenkten Haupt schleichen wir durch den Kreis und versuchen sie zu ignorieren. Meine Frau kann sich nur schwer zusammenreißen und als wir den Kreis verlassen, sagt sie zu mir: „Ich bleibe ruhig, obwohl es mir schwer fällt, aber du hast immer gesagt, eine Demokratie muss auch die Gegner der Demokratie aushalten können.“

Stadttheater Giessen. März 23. Aufführung Mädchenschule. Der Lehrer nimmt Tabletten gegen seine Angst. Die Ängste verschwinden, aber damit auch jegliche andere Empfindung. Er dreht sich als Rädchen in einer bürokratischen Maschinerie und seine einzige Aufgabe ist, rechtzeitig Zensuren zu verteilen.  Das taube Glück der Angstfreiheit ist nur Fassade und führt in eine Sackgasse. Also setzt er die Tabletten ab, die Ängste kommen wieder und er will sich lieber dem Wahnsinn stellen als gar nichts zu spüren. In seinem leeren Klassenraum trifft er auf drei Schülerinnen, die von sich behaupten kurz vor dem Abitur zu  stehen, vor fünf Monaten die Schule besetzt und nachdem die Besetzung eskalierte und ein Polizist umgebracht wurde, sich im Keller der Schule versteckt zu haben. Der Lehrer hat noch nie etwas von einer Besetzung der Schule gehört. Außerdem sehen die Frauen, obwohl sie Schuluniformen tragen, nicht mehr wie Schülerinnen, sondern wie Frauen mittleren Alters aus. Der Reiz des Stückes, das in Chile zur jeweiligen Gegenwart spielt, liegt darin, dass die Widersprüche lange ungeklärt bleiben, daraus eine magische Spannung entsteht und sie am Ende zu einem passenden Bild zusammengefügt werden. Dabei spielen Zeitebenen, die ineinander verrutschen eine große Rolle und die Relativität des Augenblicks spült das zeitlose Thema des Kampfes gegen Unterdrückung und Ungerechtigkeit nach oben. Die Autorin stellt die Frage nach autoritären Machtstrukturen und ihre Wirkung auf das Individuum. Chile, das sich bis heute trotz der gefestigten Demokratie immer noch an den Überbleibseln der Militärdiktatur abarbeiten muss, ist der geeignete Hintergrund für die Klärung dieser Frage.  Dieselben Schreckensfiguren scheinen immer noch das Sagen zu haben, obwohl schon so lange Zeit vergangen ist. Der Lehrer und die Schülerinnen leiden unter denselben Autoritäten. Während die Schülerinnen den Weg des bedingungslosen Widerstandes beschreiten und den Untergrund vor der Unfreiheit wählen, geht der Lehrer den Weg der Anpassung und geht beinahe zugrunde. Die Frauen sind lebensfrohe, mutige Kämpferinnen, der Lehrer versteckt sich hinter seinem Pflichtgefühl. Im Laufe des Stückes versteht der Lehrer, dass er den falschen Weg eingeschlagen hat. Am Ende zählt nicht die Verantwortung der Erwachsenen, die darin besteht nur zu funktionieren und die Umstände nicht zu hinterfragen, sondern die Verantwortung für eine bessere Zukunft.  Die Frauen kämpften für die Demokratie, weil sie damit die Hoffnung auf eine gerechtere Gesellschaft für alle verbinden. Als Zuschauer kann man die Kraft des Aufbegehrens spüren. Die Schülerinnen, überzeugen gespielt von drei erfahrenen Ensemblemitgliederinnen, agieren ruhelos, kraftvoll und reiben sich an dem Hochgefühl der Revolution auf. Rebellion ist Schwerstarbeit, lebensbedrohlich und gleichzeitig beglückend. Das Ziel, Gerechtigkeit für alle, mag unerreichbar sein, aber der Kampf lohnt sich trotz der vielen Entbehrungen, weil es bedeutet, ganz nahe bei sich selbst zu sein und darüber sogar die Zeit zu vergessen.

Ich fühle mich an unsere Gegenwart erinnert und unseren Umgang mit zivilen Ungehorsam.  Eine freie und offene Gesellschaft sollte den zivilen Ungehorsam, der auf die bessere Zukunft für alle abzielt, als heilendes Korrektiv betrachtet. Da wo der zivilen Gehorsam auf die Zerstörung der freien und demokratisch organisierten Gesellschaften zugunsten einer autoritären Ideologie abzielt, sollte die Demokratie wehrhaft sein. Nach dem gelungenen Theaterabend habe ich lange darüber nachgedacht. Wenn ich Menschen, die sich auf der Straße festkleben, mit Gewalt begegne, nur weil sie den Ablauf des Verkehrs stören und sie sofort als Terroristen beschimpfe, dagegen aber jahrelang Reichsbürger und ähnliche Demokratiefeinde gewähren lasse und Rechtsextremisten den Weg bis in unsere Parlamenten bahne, muss ich mir die Frage als Bürger gefallen lassen, ob bei uns nicht auch allmählich alle Ebenen verrutschen und wir nicht mehr erkennen, ob es um die Freiheit aller geht oder um das Machtbegehren einzelner  Gruppen, die sich in der Minderheit befinden.

Ja, wir müssen die Feinde der Demokratie aushalten, auch wenn sie die Demokratie missbrauchen. Bei den Querdenkern hatten wir Glück, die Pandemie ist vorbei, die Menschen haben andere Sorgen und viele der esoterisch veranlagten Selbstdenker haben sich wieder in ihre Schmollwinkel verzogen, um sich neue fantastische Märchen auszudenken, die sie für die Wirklichkeit halten. Aber das heißt noch lange nicht, dass die Gefahr vorbei ist. Der Abend im Theater hat mich auf den Boden der Tatsache zurückgeholt. Wir dürfen niemals müde werden, wir dürfen niemals den Kampf für Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit aufgeben. Wir sind Menschen in der Revolte, egal ob es uns gefällt oder nicht. Die Veränderung ist unser Freund, sie hält uns am Leben. Die Stagnation und das Verharren in alten Verhaltensweisen ist unser Feind, dem wir jeden Tag trotzen müssen.